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The Last of Us

O que é preciso para se fazer um grande game? Ao que parece, a Naughty Dog havia respondido a essa pergunta com a sua trilogia “Uncharted”. Partindo do princípio já estabelecido, a empresa virou o mesmo do avesso e desenvolveu “The Last of Us”, que acaba de chegar para o PlayStation 3.

A trama do novo game da desenvolvedora americana roda em torno do carpinteiro Joel, que vive com sua filha Sarah  próximo a Austin, no Texas. Pai solteiro que sonha em abrir seu próprio negócio, é na noite de seu aniversário que o inferno sobe à Terra; quando casos relatados de uma epidemia provinda de uma forma mutante de Cordyceps se espalha pelos Estados Unidos, atingindo o status de pandemia. A partir daí a história avança 20 anos no tempo.

Cordyceps é uma espécie de fungo. No caso do game, o nome deste Cordyceps é Ophiocordyceps unilateralis, que ataca apenas animais e passa a viver como neuroparasita, se espalhando pelos orgãos e consequentemente matando o hospedeiro. No game, o mesmo fungo é o responsável por toda a tragédia que acomete os EUA. Enquanto que sua versão no vida real não afeta seres humanos, na trama de “The Last of Us” uma versão mutante deste mesmo fungo torna as pessoas o seu principal alvo, a contaminação primária se dando através da inalação de esporos. O hospedeiro se torna uma espécie de zumbi, e como portador da doença também passa a espalhar o contágio através de mordidas. A ideia para o game veio após a equipe da Naughty Dog assistir um documentário sobre o Ophiocordyceps unilateralis na BBC.

“E aí, rola?”

Com o país do Tio Sam completamente devastado, o governo foi posto abaixo e os militares tomaram o poder, mantendo as pessoas em cidades usadas como zonas de quarentena e os infectados do lado de fora. Lutando contra essa ditadura militar está o grupo conhecido como os Vaga-lumes, que busca a reestruturação do governo. É neste futuro pós-pandêmico que um Joel envelhecido, taciturno e mais barbudo do que nunca toma a tela.

Agora Joel atua como contrabandista em Boston, onde passou a viver. Em uma destas transações de mercado negro, Joel e sua amiga Tess pagam por um grande número de armas. Acontece que a mercadoria é extraviada e os dois resolvem ir atrás do fornecedor e acabam descobrindo que as armas foram entregues aos Vaga-lumes. É nesta tentativa de reaver a mercadoria que o caminho de Joel cruza com o de Marlene, a líder dos rebeldes, que propôe um acordo a ele e a Tess: levar Ellie, uma jovem de 14 anos até um grupo de Vaga-lumes pronto para recebê-los no Congresso da cidade, e em troca eles teriam suas armas de volta. Relutantes, Joel e Tess aceitam o serviço. O motivo da entrega não importa, afinal a garota é apenas mais um trabalho.

Dois dos maiores fatores que fazem de “The Last of Us” um grande game são o roteiro de Neil Druckmann e a trilha sonora composta por Gustavo Santaolalla. Também atuando como diretor criativo do game, Druckmann concebeu um script excelente. Com uma trama linear, reintroduzindo os clássicos dissabores de parceiros que não se suportam à princípio, “The Last of Us” apresenta um roteiro tão sólido, que o que realmente sustenta o novo título da Naughty Dog é a relação gradativa de pai e filha que se desenvolve entre Joel e Ellie, pincelada de modo visceral (literalmente) por Druckmann. Claro que isso só é obtido através da performance dedicada de Troy Baker (“Metal Gear Solid V The Phantom Pain”) como Joel e Ashley Johnson (“Os Vingadores”) como Ellie, através do processo de motion capture.

Ashley Johnson (Ellie), Troy Baker (Joel), Neil Druckmann e Annie Wersching (Tess)

Já a trilha do argentino Santaolalla pode facilmente ser comparada ao mar, não sabendo onde começa ou termina, mas o sentindo a cada nova onda; você pode tentar pular, mas nunca sabe para onde elas vão te levar. Isso tudo com um quê de música clássica e algumas batucadas. O maestro já compôs para grandes sucessos do cinema, tais como “O Segredo de Brokeback Muntain” (2005), pelo qual ganhou o Oscar de melhor trilha original, e para a Trilogia da Morte do premiado diretor mexicano Alejandro González Iñárritu. “O Informante” (1999), “Diários de Motocicleta” (2004), “Na Natureza Selvagem” (2007) e “Biutiful” (2010) também tiveram suas trilhas compostas por Santaolalla.

Mas “The Last of Us” não é um filme, e não pode ser avaliado somente por um bom roteiro e trilha sonora espirituosa! E quanto ao gameplay? Ao contrário das acrobacias de Nathan Drake e seus golpes desvairados que representavam o suprassumo da aventura, em “The Last of Us” o principal objetivo é representar a mais pura tensão. Sendo assim, os movimentos de Joel e Ellie são mais limitados, com a câmera acompanhando os protagonistas da cintura para cima. Com este plano de câmera devidamente centrado no jogador, a tensão do que pode acontecer ao redor se torna muito maior. Enquanto a câmera se torna um tanto quanto restrita, a liberdade cresce no quesito de customização de armas. Joel pode melhorar suas pistolas, revólveres, espingardas, rifles e até um arco e flecha. Mas o arsenal do jogador não se resume a essas armas básicas. Em “The Last of Us” Joel pode montar bombas de pregos, facas e coquetéis molotov. O interessante é que os mesmos ingressos que formam os molotovs, por exemplo, também podem ser usados para preparar curativos; a escolha ficando inteiramente nas mãos do jogador que pode e será, constantemente, pego em situações inesperadas.

 O game não apresenta mais de um caminho para que se chegue ao seu final, porém a Naughty Dog criou vastos cenários que podem ser explorados antes que o caminho a se seguir seja encontrado. E acredite, revirar cada centímetro dos ambientes é mais do que necessário, é algo vital. As balas e itens são escaços, principalmente no modo “sobrevivente”. A fala “Faça cada bala contar”, repetida constantemente no jogo não deve nunca sair da mente do jogador.

Aqui se faz…

O game também traz um nível alto de violência, com uma quantidade de sangue de fazer inveja a Quentin Tarantino, mas menos estilizada. Tiros de espingarda que arrebentam cabeças, granadas que destroçam corpos inteiros, golpes de tijolos, canos de ferro, facadas, a coisa é gore mesmo! Tanta groselha e violência fazem parte dos gráficos espetaculares de “The Last of Us”, que apresenta sem a menor sombra de dúvida, uma das representação mais realista desta sétima geração de consoles. A odisseia de Joel e Ellie atinge um grau incomparável de realismo, dando uma grande atenção a todos os detalhes de ambiente, roupas e feições. O perfeccionismo empregado é tanto que nas cenas de combate corpo a corpo, onde Joel ataca seus inimigos com as armas brancas já citadas, ou até mesmo esfarelando suas mãos no queixo de um infectado qualquer, a tensão que é transmitida faz a adrenalina do jogador explodir dentro do organismo tão feroz quanto o vírus que assola o universo do game. Nem em títulos de guerra como “Call of Duty” e “Battlefield” que costumam apresentar um visual sem precedentes, são capazes de fazer as pontas dos dedos formigarem com tanta tensão como “The Last of Us” é capaz de fazer.

…aqui se paga

Sendo um dos últimos títulos a ser lançado para o PlayStation 3 antes da chegada do seu sucessor no final do ano, “The Last of Us” se consolida como um marco dos videogames. Não apenas por ser um dos games mais bem acabados desta geração, mas também por deixar evidente a atenção que a industria de jogos eletrônicos está dando ao Brasil. Exemplo disso é a dublagem em português do Brasil que “The Last of Us” traz, encabeçada pelo dublador veterano Luiz Carlos Persy que faz a voz de Joel e estabelece o tom do game em sua versão brasuca, causando inveja no áudio original inglês. No currículo do brasileiro estão Lord Voldemort dos filmes de “Harry Potter” e Marte de “Os Cavaleiros do Zodíaco”.

Em suma, o novo game da Naughty Dog redefine o gênero survival horror tão bem quanto “Resident Evil” fez quando foi lançado para o PlayStation em 1996. O Novo título também prova que a Naughty Dog pode ir fundo e entregar jogos menos “Sessão da Tarde” ao seus seguidores. “The Last of Us” simplesmente não pode faltar na coleção dos gamers mais hardcore.

Trailer

Trilha sonora

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Jogos Vorazes

Tudo tem um fim. Com o último livro da série Harry Potter sendo lançado em 2007 era hora de os grandes estúdios de cinema começarem a procurar por uma nova saga adolescente para adaptarem para as telonas, eis que a Summit abocanhou a Saga Crepúsculo da escritora americana Stephanie Meyer.

Agora Harry Potter nada mais é do que um sopro do passado, seus oito filmes são a lembrança bem lucrativa de uma década de filmes que fez muitas crianças, adolescentes e adultos demasiado felizes. Além de Harry, os personagens da Saga Crepúsculo também já estão se despedindo com Amanhecer, última parte da saga também dividida em duas partes assim como aconteceu com a adaptação de As Relíquias da Morte de J. K. Rowling.

Aproveitando a deixa a Lionsgate viu que era hora de também pegar a sua fatia do um dia findouro bolão das adaptaçoes de romances adolescentes. Buscando algo menos nhenhenhém que a Saga Crepúsculo o estúdio adquiriu os direitos sobre a trilogia Jogos Vorazes da romancista Suzanne Collins.

Jogos Vorazes se passa em um futuro pós-apocalíptico não definido com uma América rica que consiste na Capital e nos 12 precários distritos que a cercam. Anualmente são realizados os chamados Jogos Vorazes onde um casal de cada distrito entre 12 e 18 anos são escolhidos para participar, eles são chamados de tributos. Os Jogos Vorazes são na verdade uma espécie de reality show transmitido para os 12 distritos onde os tributos são soltos na selva com apenas um objetivo: a sobrevivência. Os 24 participantes precisam literalmente se matar para que apenas um deles posso voltar vivo para casa e honrar o seu distrito.

Eis que temos a história da protagonista Katniss Everdeen vivida por Jennifer Lawrence que infelizmente não surpreende nem em interpretação e nem em beleza como havia fascinado em X-Men Primeira Classe. Exímia arqueira, Katniss vive para a mãe e a irmã, a pequena Primrose de apenas 12 anos. Quando Prim é escolhida para participar da 74ª edição dos Jogos Vorazes, Katniss se oferece como tributo para ir no lugar da irmã. Junto dela também é escolhido o jovem Peeta Mellark (Josh Hutcherson) e o casal do Distrito 12 é levado então para a Capital onde serão preparados por um mentor que lhe ensinara técnicas de sobrevivência e a como conseguir patrocinadores, aqueles que lhes darão apoio durante os jogos.

Depois de os 24 tributos serem apresentdos em um grande evento para toda a Capital os Jogos Vorazes têm início.

O diretor Gary Ross que também cuidou do texto ao lado da própria Suzanne Collins e Billy Ray, nos entrega um filme que antes de assistirmos não sabemos bem o que esperar além de um Big Brother sangrento e visceroso carregado de uma violência gratuita ilimitada. Isso é o máximo que podemos esperar de Jogos Vorazes, porém o diretor e o estúdio não seguiram como deviam as regras do jogo. Tão ávidos em fazer o filme esqueceram o manual de instruções dentro da caixa.

Mal desenvolvido, o roteiro segue arrastado durante a primeira hora do filme, evidenciando o objetivo de não fazer o filme parecer um curta. Enquanto o lengalenga vai se desdobrabdo na tela o tédio vai dando aquele soninho de velho que dorme sentado na poltrona. Quando tudo parece se agitar e os jogos começam o ritmo lento de um roteiro que mais parece uma sinopse de capa de DVD continua o mesmo, só que um pouquinho mais decepcionante. A matança que deveria ser generalizada é acompanhada de falas toscas com crianças lentas que mesmo empunhando uma faca se tornam alvos, mas seus algozes são tão lentos quanto suas vítimas e vivem parafraseando jargões pré-assassinatos que funcionavam muito bem em filmes dos supremos reis da ação dos anos 80 como Schwarzenegger e Stallone.

O filme de Ross acaba cometendo os mesmos erros de Imortais do indiano Tarsem Singh que foi um desfile bem afetado de escola de samba. Ao tentar criar dois mundos distintos, o da rica Capital e os nada convidativos 12 distritos, Gary Ross e a figurinista Judianna Makovsky quiseram dar um ar de corte francesa do sec XVII para a Capital, mas o exagero de cores e maquiagem que parecia ser tão original se tornaram uma verdadeira palhaçada, principalmente em relação aos personagens masculinos. A barba toda desenhada de Wes Bentley e sua casaca vermelha são vergonhosos. Tony Jones se transformou em uma couve flor, o único a conseguir tirar bom proveito de sua fantasia foi Stanley Tucci que como sempre roubou a cena mesmo com sua peruca azul e seus dentes postiços muito eficientes em arrancacar boas gargalhadas em plena sessão.

Entrando no quesito estratégia e sobrevivência, os mais importantes para um filme desse tipo,  os piores erros são cometidos, ficando claro o esforço do diretor em não fazer seu trabalho como deveria. Sem spoilers digo apenas que entre cortar um tronco de árvore e simplesmente derrubar uma colméia de inexistente vespas teleguiadas, dormir durante uma campana ou dormir enquanto procurado e cantarolar como os sete anões da Branca de Neve em plena selva mortal está apenas no manual de sobrevivência de idiotas. Cachorros não brotam do chão e essa sim seria a melhor hora para subir em uma árvore. Opa, spoilers, foi mal.

Resumindo, Jogos Vorazes é um filme sem moral que depois do primeiro deslize só consegue arrancar risadas da plateia que nem se importa mais se está falando alto ou não no cinema, porém o filme tem um gancho original que poderia ser muito melhor explorado e desenvolvido e até usado como crítica para as massas obtusas reféns de uma mídia manipuladora. No mito clássico do minotauro que a autora usou como inspiração para sua trilogia, atualmente tem os papeis invertidos e os atributos oferecidos para a besta é a sociedade. No final do mito adivinha quem sai perdendo.

Trailer

 

Millennium – Os Homens que não Amavam as Mulheres

É com um orgasmo. não, Millennium – Os Homens que não Amavam as Mulheres não começa com uma cena de sexo. Na verdade a cena inicial com pouco mais de duas linhas de diálogo começa muito semelhante ao romance de Stieg Larsson. O orgasmo, mental, que isso fique bem claro, começa quase imperceptível logo de cara nos logotipos da Columbia e da MGM e assim que a tela escurece já é possível senti-lo vindo lá do fundo da mente… eis que uma introdução no melhor estilo James Bond que deixaria o célebre Maurice Binder boquiaberto toma a tela, aí não para mais, tudo embalado pela roupagem aguda e célere dada por Trent Reznor e Atticus Ross a canção Immigrant Song do Led Zeppelin aqui na voz arranhada de Karen O. Em menos de cinco minutos de filme já estava satisfeito e de cérebro encharcado.

Baseado na primeira parte da bem sucedida trilogia de livros suecos, Os Homens que não Amavam as Mulheres conta a história do jornalista Mikael Blomkvist da revista Millennium que vive caçando empresários corruptos direitistas, que após ser condenado por calúnia e difamação contra o poderoso empresário Hans-Erik Wennerström resolve se refugiar de tudo e de todos, eis que recebe uma proposta bastante incomum de Henrik Vanger, rico homem de negócios que mora na ilha de Hedeby.

Henrik pede a Mikael que passe a morar na ilha e durante o período de um ano investigue o desaparecimento de sua sobrinha-neta que sumiu no ar quarenta anos atrás. Em troca Henrik promete entregar a Mikael informações valiosas sobre Wennerström.

Mikael passa a receber auxílio da figura mais inusitada possível: uma hacker muito punk chamada Lisbeth Salander, figura cheia de piercings e tatuagens sendo ao que tudo indica mentalmente perturbada e com tendências homicidas e que vive sob a guarda do Estado. A Dupla tem então de desvendar um mistério que perdura há mais de quatro décadas.

Simpatizante com a esquerda, Stieg Larsson era jornalista de uma revista nos mesmos moldes da Millennium

Escritos entre 2003 e 2004 e sendo publicados postumamente, os livros que compõe a chamada Trilogia Millennium não param de vender e conquistar milhares de fãs mundo afora. Com 50 milhões de exemplares vendidos era de se esperar que logo os livros de Larsson fossem adaptados para o cinema, e foi o que aconteceu em 2009 quando os três livros se tornaram películas em co-produções sueco dinamarquesas com Michael Nyqvist e Noomi Rapace nos papéis de Blomkvist e Salander. Os três filmes, Os Homens que não Amavam as Mulheres, A Menina que Brincava com Fogo e A Rainha do Castelo de Ar se tornaram rapidamente um enorme sucesso na Europa e atraíram o olhar do gigantesco maquinário de Hollywood e a pré-produção da nova versão da primeira parte da odisséia de Mikael Blomkvist e Lisbeth Salander teve início.

Antes mesmo de Hollywood querer fazer sua própria versão das obras de Stieg Larrson, o diretor David Fincher já estava de olho nos mesmos livros, mas para ele Hollywood nunca iria fazer uma franquia para adultos recheada de violência, sexo e anti-semitas extremos como as obras de Larsson, ainda mais com franquias adolescentes como Harry Potter e a Saga Crepúsculo arrecadando milhões aos montes. Eis que, assim que Hollywood se decidiu em fazer adaptações de Millennium, David Fincher foi o escolhido para reger a batuta da nova adaptação.

Fincher é conhecido por ousar, muitos de seus filmes se tornaram ícones do cinemão americano mas sempre com aquela cara de produção independete carregada de sombras e mistério. Alguns exemplos de seus filmes são: Seven – Os sete Crimes Capitais, Alien 3, Clube da Luta, O Curioso Caso de Benjamin Button e A Rede Social. Fincher ainda detém a fama de rodar cada tomada nada mais nada menos do que cem vezes! No final não há mais desculpa de ter esquecido as falas.

Com roteiro de Steve Zaillian e comando de Fincher, Millennium – Os Homens que não Amavam as Mulheres é uma produção lúgrube mas classuda, carregada de sombras e muitos personagens originais como prato principal que se movem como peças orgânicas e metódicas de uma partida de xadrez, mas o inesperado sempre está à espreita. A obra de Stieg Larsson feita por Fincher se difere completamente da sua versão sueca, aqui tento quase três horas de duração. Detalhes que ficaram de fora do filme sueco aqui aparecem idênticos, ou quase, ao romance de Larsson. O espectador que já leu os livros vai ver como um sanduíche, um maço de Marlboro vermelho e uma varanda fazem toda a diferença.

Mas o maior trunfo do filme vai para a atriz Rooney Mara que interpreta Lisbeth Salander, uma personagem tão complexa como jamais houve e possivelmente jamais haverá. O processo de escolha para o papel foi exaustivo e corrido, pois o tempo era curto, mas Rooney conseguiu o papel após ser testada fisicamente por Fincher, já que foi preciso cortes de cabelo muito estranhos, piercings reais e outros não, tatuagens, descoloração das sobrancelhas, novo jeito de andar, falar, se portar, ter o jeito de um garoto de 14 anos, enfim, Mara É Lisbeth Salander. A entrega da atriz é surpreendente, cada aspecto e sensação que a personagem traz nas páginas escritas por Larsson estão na tela, é magnífico de se ver. Você vai sentir pena, compaixão, raiva e até uma certa atração pela figura incomum, sabe, aquele interesse pelo desconhecido… Você pode até querer abraçá-la mas levará um belo chute nos bagos se tentar.

Rooney Mara encarna a hacker Lisbeth Salander

Fazendo par com Rooney Mara está Daniel Craig. “Não é bem uma escolha. Daniel é muito masculino, tem essa idade indeterminada, entre 38 e 50 anos, e é um ator incrível.”, palavras do próprio Fincher, o que é verdade. Apesar de a descrição de Blomkvist ser mínima nos romances de Larsson, sabe-se que é um sujeito maduro de meia-idade, forte e de cabelos aloirados. A certeza se torna maior com o desempenho de Craig na telona, só não temos certeza se a parte da idade indeterminada serve como elogio.

No elenco ainda estão o sueco Stellan Skarsgard como Martin Vanger, Christopher Plummer fazendo Henrik Vanger, Robin Right como Erika Berger, co-editora da Millennium, Goran Visnjic é Dragan Armasky, chefe de Lisbeth na Milton Security e Joely Richardson como Anita Vanger, mais uma do interminável clã de calhordas. Bom, a maioria.

Toda essa excitação que dá vida ao thriller vem também da trilha de Trent Reznor e Atticus Ross que também trabalharam com Fincher em A Rede Social. A trilha com canções como Sail Away de Enya (sugestão de Daniel Craig), Is Your Love Strong Enough? e How to Destroy Angels é quase tão longa quanto o próprio filme, tendo cerca de 173 minutos de duração e é um dos elementos dessa fórmula fincheriana que fazem de Millennium – Os Homens que não Amavam as Mulheres o tipo de filme do qual não se consegue tirar os olhos, não é possível pensar em qualquer outra coisa além do que está rolando na tela.

Pode ser um clichê dizer que filmes te fazem esquecer da vida e viver a de outras pessoas por duas horas mas é mentira. Em determinado momento você vai se pegar pensando: “O que será que terá para o jantar?”, ou “Nossa, como aquela ruiva da recepção é bonita!” Mas isso não acontece com o novo Os Homens que não Amavam as Mulheres. É estranho, surreal se esquecer de si mesmo não por duas horas mas sim por quase três.

David Fincher ainda não sabe se vai retornar para dirigir a continuação, A Menina que Brincava com Fogo cujo roteiro já está pronto e novamente pelo pincel de Steve Zaillian. Fincher diz que o processo é muito exaustivo de passar um ano inteiro filmando na Suécia, mas caso venha a retornar a primeira franquia adulta de Hollywood poderá filmar o segundo e o terceiro filme ao mesmo tempo para facilitar, não só para ele e para o resto da equipe mas também para Rooney Mara, cuja transformação em Lisbeth Salander é um processo tortuoso e extenuante.

Alguns dizem que mesmo os ingredientes típicos de Fincher estarem presentes na tela o diretor não foi ousado como costuma ser em outras produções. Apesar de o filme ter recebido uma classificação etárea alta, 18 anos, as cenas de violência sexual apesar de chocantes não são explícitas do modo como se acreditava que seriam, isso talvez por causa dos censores pudicos da indústria do cinema americano. Existem cenas mais impactantes em folhetins televisivos e nas chamadas “novelas da vida real” que ultimamente viraram febre nos canais de televisão mundo afora com cenas lastimáveis de tão impróprias que são para seus horários.

Enfim, já era hora de filmes barra pesada para adultos misturados com a fórmula de thrillers cerebrais aparecerem. Deixe as crianças e adolescentes de cabelos esticados e tênis coloridos com “Harry, Rony e Hermione” e Edward e Bella e corra para derreter sua mente com Millennium – Os Homens que não Amavam as Mulheres.

Trailer

Immigrant Song – Trent Reznor, Atticus Ross & Karen O

Sail Away – Enya

Descubra em 5 motivos porque Kelly Brook deve ser a nova Tomb Raider

Que a icônica personagem Lara Croft está para dar as caras novamente nos videogames não é novidade, com um reboot em desenvolvimento pela Crystal Dynamics e Square Enix com previsão de lançamento para o terceiro semestre do ano que vem. O que nem todo mundo sabe ainda é que Lara também vai voltar aos cinemas em outro reboot. Os direitos da franquia foram adquiridos no final do ano passado pelo produtor Graham King, responsável por filmes como “O Turista”, “Atração Perigosa” e “Gangues de Nova York”.

Lara Croft no reboot para os video games.

Não vai demorar muito para que as especulações e a boataria comecem a circular pelos meios de comunicação, principalmente a internet. Por isso o Chico Louco já deixa aqui a sua opinião de quem seria a melhor escolha para encarnar a audaz aventureira. Para nós, a modelo e atriz britânica Kelly Brook seria a melhor das escolhas. Conheça 5 motivos para Kelly ser a nova Lara Croft do cinema.

MOTIVO 1

Ambas, personagem e intérprete, são britânicas, fato que os fãs apreciam muito quando o ator ou atriz a desempenhar o papel tem a mesma nacionalidade que o seu personagem. Exemplo disso é James Bond, que de 6 atores que o interpretaram 5 eram britânicos, com a exceção de George Lazenby que é australiano e que é o menos conhecido deles com apenas um filme do espião no currículo.

MOTIVO 2

As duas são fisicamente parecidas com olhos e cabelos castanhos e medidas muito próximas.

Lara Croft:

altura: 1,75m

busto: 85

cintura: 60

quadril:  87

Kelly Brook:

altura: 1,73m

busto: 86

cintura: 63

quadril:  88

MOTIVO 3

Assim como Lara em suas primeiras versões veio a se tornar um ícone sexual devido sua aparência de seios fartos e quadris largos, antes de se estabelecer como uma personagem dramática, o mesmo aconteceu com Kelly Brook. A jovem iniciou sua carreira artística como modelo sendo garota propaganda de marcas como Adidas, antes de ser descoberta como atriz e ganhar voz, por assim dizer. Ela provou ser uma atriz tridimensional de talento em filmes como “School of Seduction”, “Survival Island” e “Fishtales” . Atuou também na série dramática inglesa “Skins” e em “Marple” e “Hotel Babylon” ambos da BBC.

MOTIVO 4

Como dito antes, Lara passará por 2 reboots, e o momento é oportuno para uma nova intérprete. Sem essa repaginada no universo da personagem uma nova intérprete poderia não ser bem aceita pelos fãs. Exemplo é Andrew Garfield, o novo Homem-Aranha que com o próximo filme do aracnídeo dará início a uma nova trilogia a partir de um novo começo. Se o ator tivesse pegado o bonde andando para fazer sequências diretas dos filmes anteriores do herói, a produção já estaria marcada negativamente antes mesmo de estrear. De certo modo tanto a nova Lara dos games como a do cinema vai ajudar na promoção uma da outra.

MOTIVO 5

Tá bom, o quinto motivo vai parecer meio utópico, coisa de mundo ideal e tal, mas existem determinadas pessoas que nascem para desempenhar determinados papéis como é o caso de Daniel Radcliffe e Harry Potter, Christopher Reeve e Superman e por aí vai. Ah, e é claro Kelly Brook e Lara Croft… é questão de feeling, sabe.

Graham King diz que o projeto ainda está em fase inicial com o roteiro sendo escrito por Mark Fergus e Hawk Ostby, conhecidos por “Homem de Ferro”, “Filhos da Esperança” e “Cowboys & Aliens”. De acordo com o produtor do novo longa que não descarta a possibilidade de por Angelina Jolie como diretora diz que assim como o próximo game da heroína a história se focará em uma Lara mais jovem e antes de ser conhecida como Tomb Raider. O produtor espera por as câmeras para rodar ano que vem para uma estreia em 2013.

Crítica: Planeta dos Macacos: A Origem

“Não há diferenças fundamentais entre o homem e os animais nas suas faculdades mentais (…) os animais, como os homens, demonstram sentir prazer, dor, felicidade e sofrimento.”, já dizia Charles Darwin, autor de A Origem das Espécies publicado em 1859. Com seus estudos aprofundados Darwin derrubou por terra teorias como a de Lamarck que afirmava que a evolução das espécies se dava por necessidade ao meio em que viviam enquanto Darwin provou que a evolução das espécies se deu pela seleção natural onde os menos aptos não sobreviviam ao seu habitat e suas condições, vindo assim a desaparecer.

As palavras de Darwin acima transcritas que tomei a liberdade de pegar emprestadas encaixam-se perfeitamente no novo Planeta dos Macacos: A Origem, filme que serve de prelúdio para a saga iniciada em 1968 com o clássico de ficção cientíca O Planeta dos Macacos protagonizado por Charlton Heston.

No novo capítulo da franquia adormecida desde 2001 com o remake de Tim Burton da película original, temos como foco da história não um humano mas sim um chimpanzé chamado César, filho de uma macaca que servia de cobaia de laboratório onde lhe era testada uma droga capaz de aumentar as capacidades mentais e reconstruir células cerebrais, em outras palavras, as mesmas de James Franco no filme, a cura para Alzheimer. Quando a substância estava pronta para ser testada em humanos um incidente que resulta na morte da mãe de César inviabiliza todo o projeto.

Após levar o símeo recém-nascido para casa, Will, personagem de James Franco e responsável pelo experimento descobre que a droga foi passada de mãe para filho e que o pequeno apresenta as mesmas características de sua progenitora. Com o passar dos anos Will surpreende-se cada vez mais com o raciocínio quase humano de César e passa a usar a substância em seu próprio pai que sofre de Alzheimer. Além de obter a cura a droga também desenvolve as capacidades cerebrias do pai de Will mas depois de alguns anos o medicamento deixa de apresentar resultados positivos e a doença volta a surgir.

Após uma desventura com um vizinho ao qual César responde violentamente o macaco tem seu enjaulamento decretado pela justiça.

Em seu novo “lar” o símeo é apresentado a outros macacos. O abrigo é comandado pelo personagem de Brian Cox e por seu filho asquerosamente perverso vivido por Tom Felton que aqui mostra que não ficou marcado pela figura de Draco Malfoy da série Harry Potter. César e os outros primatas são maltratados, vivendo em jaulas e tomando choques elétricos. Revoltado com o comportamento humano César consegue escapar e invade a casa de Will de onde rouba frascos da nova versão do experimento que o transformou no ser tão incrivelmente inteligente que é a espalhando entre seus companheiros, e aí, depois de uma hora e meia de diálogos brilhantes e cenas tocantes que mantém harmoniosamente o equilíbrio entre o drama da vida animal e a decepção perante a podridão do espiríto humano que resulta na perda da esperança de César que a ação toma conta da tela com a revolta dos primatas.

Planeta dos Macacos: A Origem tem  direção e roteirização incríveis, respectivamente de Rupert Wyatt e a dupla Rick Jaffa e Amanda Silver. Drama e ficção se mesclam na tela com imensa naturalidade de modo que ver a macacada desvairada causando o caos em São Francisco não parece algo a temer mas sim algo a se aceitar como se fosse esperado, tamanho o brilhantismo com qual as cenas foram concebidas, isso talvez porque vemos o mundo através dos olhos de César o que nos faz entender sua profunda angústia em relação aos homens.

No elenco James Franco e Freida Pinto fazem um casal, mas os dois servem somente de coadjuvantes. O verdadeiro protagonista é César, interpretado por Andy Serkins através de captura de movimentos. O ator já havia desempenhado o papel de Gollum da saga O Senhor dos Anéis e King Kong no remake de Peter Jackson através da mesma técnica. A desenvoltura do ator britânico mais uma vez surpreende, mover-se e criar os trejeitos de uma criatura  fantasiosa é uma coisa mas fundir características de primata com homem é algo fabuloso, Serkins tem aqui sua melhor atuação em não interpretar um ser humano.

A mensagem do filme é clara: “A evolução se torna revolução”. Mexer com a natureza sempre foi o maior passatempo do homem, passatempo esse que hoje apesar de ter facilitado muito a sua vida também é o grande responsável pelos maiores males que atualmente consomem o planeta.

Se comparado ao primeiro filme da série lá nos anos 60 temos uma inversão de papéis. Na época de Charlton Heston vemos os humanos aprisionados e maltrados pelos símios falantes e tiranos, enquanto no novo filme vemos esses animais sendo usados e descartados pelo homem, a diferença é que ao ver na tela os macacos serem açoitados, eletrocutados e torturados onde mais dói, no âmago, a compaixão e revolta que sentimos é quase incalculável enquanto ao ver as cenas onde os subjugados são os homens sentimos, mas sem a coragem de dizer, bem feito, vocês merecem, nós merecemos isso.

Mesmo com uma racionalidade humana César não se julga no direito de esmagar aqueles que a gerações vem orpimindo sua espécie, ele e sua trupe de primatas só querem ser livres para ir para casa. No final as palavras de Darwin se mostram mais uma vez sábias. “(…) os animais, como os homens, demonstram sentir prazer, dor, felicidade e sofrimento.” Esses não são sentimentos esclusivos dos homens, do homem a única exclusividade é poder ser mau e o mau causar.

Trailer: Planeta dos Macacos: A Origem

Rosie Huntington-Whiteley quer ser Bond girl

Com o próximo filme de James Bond já engatilhado no maquinário da MGM os detalhes da produção começam a ser acertados. Fora das telas toda a equipe já está fechada, a última a ser contratada foi a figurinista Jany Temime que assinou os filmes de Harry Potter à partir do terceiro filme do bruxinho, que hoje já virou um homem e está às vésperas de encerrar sua odisséia contra o Lord Voldemort nos cinemas. A pré-produção do novo James Bond está agendada para começar oficialmente em meados de julho para enfim começar a ser rodado em novembro com estréia marcada para 26 de outubro de 2012 no Reino Unido.

Com Daniel Craig pronto para voltar ao papel depois de um hiato de quatro anos falta escalar todo o restante do elenco, com exceção de Judi Dench que voltará para o papel de M em seu sétimo filme da franquia. Rumores é o que não faltam para preencher as vagas dos vilões e das próximas beldades que se derreterão por 007. Javier Barden e Ralph Fiennes já tiveram seus nomes ligados ao projeto assim como a atriz Naomie Harris que está atualmente em negociações com os produtores para viver o próximo interesse romântico de James.

Naomie Harris

 

Hoje a modelo Rosie Huntington-Whiteley que faz sua estréia nos cinemas com Transformers 3: O Lado Oculto da Lua declarou que seria a realização de um sonho ser uma Bond girl. “Sempre sonhei que um dia poderia ter a chance de ser uma Bond girl”. A atriz que substitui Megan Fox na saga Transformers referindo-se a esse momento disse que teve “o melhor momento de sua vida”, ao saber que conseguira o papel. Apesar de nada ter sido confirmado acredita-se que a saída de Megan Fox se deu após ela ter chamado o diretor Michael Bay de Hitler.

Outra novidade sobre a produção do vigésimo terceiro filme de 007 seria que uma antiga seqüência de ação originalmente escrita para 007 Permissão para Matar de 1989 com Timothy Dalton ainda no papel do super agente pode ser reaproveitada para o novo filme. Uma espetacular perseguição de moto na grande muralha da China. Outra cena descartada do mesmo filme seria uma grande batalha entre Bond e seus inimigos na câmara onde se encontra o exército de soldados de terracota do imperador Qin Shi Huang Di. Será que esta cena também pode entrar na produção?